«Все мы сидим на одной лавочке цвета триколора, и между нами протянуты мосты»
Московский автор о выставке «Пацан и вечность» в Казани, опыте самопродвижения на западном рынке через NFT и русской мечте
В казанской галерее «БИЗОN» проходит необычная выставка с атмосферой подъездной романтики «Пацан и вечность». Ее автор — перспективный художник из Москвы Даниил Кудряшов — в оригинальной форме осмысляет российскую действительность, вдохновляясь колоритными персонажами в соцсетях. Корреспонденту «БИЗНЕС Online» он рассказал об оригинальной инсталляции «Социальный мост», которую создал специально для выставки в столице РТ, и объяснил, почему любит обращаться к стереотипным образам гопников и маргиналов, находя в них особую искренность.
Даниил Кудряшов: «Я первый художник в семье. Мои родные далеки от сферы искусства, поэтому я двигался к нему самостоятельно и во многом интуитивно — экспериментировал, ошибался и снова экспериментировал…»
«Пришлось много пахать, чтобы быстро наработать базу»
— Даниил, вы всерьез занялись изобразительным искусством в 15 лет, а уже в 23 года в вашем творческом багаже есть персональные выставки, много групповых проектов, участие в ярмарке современного искусства WIN WIN на «Винзаводе».
Все это везение или результат большой работы?
— Думаю, все же результат работы. Я стараюсь постоянно искать что-то новое в искусстве. А то, что поздно начал рисовать, сыграло важную роль в моем развитии. Я не учился в художественной школе. А после 9-го класса поступил в колледж на актерский факультет — думал, что всерьез хочу стать актером. Но проучился год и выяснил, что у меня нет ни голоса, ни ритма (смеется). Тогда я познакомился с парнем, который рисовал граффити и увлекся этой темой. Завел альбом для эскизов, все свободное время рисовал. А когда решил полностью посвятить себя творчеству, пошел на подготовительные курсы в Строгановку. Там все были после «художек», и я оказался самым слабым в группе. Пришлось много пахать, чтобы быстро наработать базу. Сначала мне это давалось с трудом, а потом вошло в привычку. Я писал много картин в короткие сроки и неплохо отработал технику.
Кто такой Даниил Кудряшов?Даниил Кудряшов — российский художник.
Родился в 2000 году в Москве.
2017–2021: обучение в МГХПА им. Строганова на факультете «Дизайн средств транспорта».
Групповые выставки и проекты:
2019–2021: выставка «Строгановские традиции», город Москва.
2021: выставка автопортретов в КЦ «Зодчие», город Москва.
2021: выставка «Открыто» в КЦ «Зодчие», город Москва.
2021: ярмарка WIN WIN на «Винзаводе», город Москва.
2022: благотворительный аукцион ВЕХА, город Санкт-Петербург.
2022: ярмарка современного искусства BUY в ЦСИ «Терминал», город Нижний Новгород.
2022: проект «Не беспокоить» в NikolayEvdokimovgallery, город Санкт-Петербург.
2022: благотворительная выставка-аукцион «Тебя не узнать», города Москва и Санкт-Петербург.
Персональные выставки:
2020: «Обрамление» в КЦ «Школа актуального искусства», город Москва.
2023: «На русских просторах» в пространстве Supermetall, город Москва.
Важным событием для меня стала аренда мастерской у метро «Шоссе Энтузиастов».
Она не только открыла больше возможностей для творчества (там я могу делать крупные холсты и не отвлекаться), но и сформировала у меня чувство ответственности: помещение ведь каждый месяц нужно оплачивать, а это мотивирует. Клиенты пришли сами — начали интересоваться, покупать картины.
Я первый художник в семье. Мои родные далеки от сферы искусства, поэтому я двигался к нему самостоятельно и во многом интуитивно — экспериментировал, ошибался и снова экспериментировал… В какой-то момент стал писать пейзажи на больших холстах и внедрять в них персонажей. Одна из моих первых работ, вызвавшая большой отклик, — «Неместный». Там изображена русская деревня и огромное «крыло» Mercedes. На ранних этапах творчества мне помогла реклама в соцсетях.
— Главная тема вашего творчества — российская действительность. Почему вас это заинтересовало?
— В Строгановке я два года писал полуабстрактные, фигуративные холсты. Пластически они исходили от моих граффити-рисунков.
К 2021-му набралось достаточно картин, и я решил их выставить. Нашел место в культурном центре на окраине Москвы, повесил работы на одной стене, собрал народ. Но, глядя на реакцию людей, понял: мои абстракции мало кому интересны. Они оказались слишком личными. Тогда я захотел поработать с образами, которые знакомы и понятны каждому человеку. Возможно, слишком эгоцентрично рассказывать людям о себе, когда вокруг столько всего любопытного.
Творческая перестройка проходила непросто. Какое-то время я писал только этюды, иногда по два в день. Брал карандаш, картонку или кусок оргалита и шел куда глаза глядят. Рисовал все что цепляло — Россия богата на интересные сюжеты! А уже потом, наработав навыки, перешел на крупные холсты. Начинал с пейзажей, но вскоре увидел, что на большом листе они не выглядят самодостаточными, и стал внедрять в композицию персонажей. Постепенно люди в моих картинах вышли на первый план.
«Тема социальных мостов очень глубокая, и, думаю, в рамках одноименной картины я до конца ее не раскрыл»
— В аннотации казанской выставки сказано, что в творчестве вы ищете ответ на вечный вопрос: в чем заключается особая русская идея и миссия? Уже успели прийти к каким-то выводам или предположениям?
— Это действительно сложный вопрос.
За всех говорить не могу, но скажу о своей творческой «миссии». Уверен, что всех россиян объединяют сильные визуальные символы — именно они заставляют тех, кто по разным причинам уехал, ощущать ностальгию по дому.
Экспозиция в «БИЗONе» открывается масштабной инсталляцией «Социальный мост» по моей одноименной картине. Я приехал в Казань за неделю до выставки и сделал ее с нуля. Это новый опыт для меня — столь крупную скульптурную композицию я создал впервые. Сюжет выбран неслучайно. Тема социальных мостов очень глубокая, и, думаю, в рамках одноименной картины я до конца ее не раскрыл. Все же картина — нарисованный образ, а инсталляция материальна, а значит, более выразительна. Я использовал в ней настоящие костюмы и скамейку. У зрителя будет возможность посидеть вместе с моими героями.
«Юмор пронизывает его творчество, это фантасмагорическое восприятие реальности!»
По сути, все мы сидим на одной лавочке цвета триколора, и между нами протянуты мосты.
У кого-то они прямые, у кого-то — витиеватые. В этой работе я исследую способность россиян из разных локаций и слоев общества понимать друг друга. Возможно, она существует благодаря языку и общему контексту, единой картинке, в которой мы обитаем.
Очень важно общение с самыми разными людьми. Однажды я писал пейзаж с натуры и ко мне подошел мужик. От него несло перегаром, да и видок был потрепанный. Он говорил мне о тенях: «Чего они у тебя такие фиолетовые? Сделай посерее — лучше станет!» И действительно стало лучше! Это весьма распространенный случай: мою работу на улице нередко комментировали случайные прохожие. Порой интересно прислушаться к ним, а не заведомо воспринимать как людей, «не разбирающихся в искусстве».
«Работа «Пацан и вечность» раскрывает некое самоощущение — частично мое, частично моего героя»
«Мне не нравятся фильтры, популярные сейчас в соцсетях.
Люди хотят подать себя лучше, чем они есть в жизни»— Ваша выставка в «БИЗОNe» названа «Пацан и вечность». Это название одной из картин, которую увидят казанские зрители. Какой смысл вы сами вкладываете в это название?
— Работа «Пацан и вечность» раскрывает некое самоощущение — частично мое, частично моего героя. Она рассказывает о поиске своего места в России и мире, восприятии реальности, осознании своей цели и миссии. Герой картины — собирательный образ. Это простой пацанчик в «спортивках» — он позирует на фоне скульптуры Урса Фишера «Большая глина №4». Я создал эту работу через неделю после того, как ее установили в Москве. Она вызвала большой бум, и мне было интересно осмыслить происходящее с позиции своего искусства. Помню, я пришел к «Большой глине», возле нее стояли два охранника. Я спросил их: «Как вам скульптура?» От меня отмахнулись (
Они подходили, улыбались, «держали» ее на руке — обращались с «Большой глиной» как с любой другой достопримечательностью.
«Пацан и вечность» — это обычный парень рядом с объектом высокого искусства. Ему непонятно, о чем оно, но уж раз подошел, надо сфотографироваться. Внутри себя пацан все равно рефлексирует и анализирует скульптуру, возможно, чувствует внутреннее родство с этой «уродливой серой тучей» — он, как и произведение Фишера, застыл в своей незавершенности, но готов дерзнуть и преобразиться, тянется к прекрасному, мечтает зафиксировать себя в вечности.
— А как фраза «Пацан и вечность» проецируется на всю вашу экспозицию?
— Мы долго думали над названием, были разные варианты. Для меня экспозиция в «БИЗОNe» — некое обобщение о поиске своей вечности. История о том, как вечность преломляется в жизни простого парня, какие формы и краски она приобретает. Образы, которые увидит зритель, по сути, тоже вечные. На выставке в Казани будет более 50 работ, и для меня это долгий путь — часы, дни, недели в мастерской.
Да, я занимаюсь живописью всего 8 лет (для профессионального художника это мало), но каждую картину переживаю по отдельности и цельно взглянуть на свое наследие бывает сложно. А выставка в этом очень помогает. В «БИЗОNe» также представлены мои юношеские пейзажи, где я только формирую свой визуальный язык.
«Мои герои достаточно прямые, стереотипные… Мне нравится работать с ними, потому они очень конкретные»
— Среди персонажей ваших работ — герои популярных мемов: гопники, коллекторы, силовики, гадалка, «леди без комплексов» и многие другие. Чем вам интересны эти образы? Именно они, по-вашему, раскрывают социальный код нашей страны?
— Мои герои достаточно прямые, стереотипные… Мне нравится работать с ними, потому они очень конкретные. Через четкий, понятный образ здорово получается транслировать свои идеи, создавать яркие истории.
В жизни, несмотря на разные увлечения и наклонности, все мы немножечко усредненные. Чего-то предельно колоритного в нас мало. А с художественной точки зрения суперконцентрированные, местами сюрреалистичные герои выглядят гораздо круче и выразительнее.
Я в больших количествах ежедневно потребляю визуальный контент в интернете — мемы, картинки, фотографии, видеоарты. Те, что цепляют, отбираю для работы. Мне не нравятся фильтры, популярные сейчас в соцсетях. Люди хотят подать себя лучше, чем они есть в жизни, и на отредактированных снимках часто выглядят одинаково, посредственно. Я в качестве референсов использую фотографии из соцсетей 10–15-летней давности. Тогда мы еще не знали, как снять себя «красиво», и лучшие кадры получались случайно. Мне нравятся такие фото — они неподдельные и искренние, несмотря на некоторую китчевость. Сейчас такое встретишь нечасто.
«Волк — это вожак, хищник, одиночка.
Забавно, как некоторые люди ассоциируют себя с ним — носят футболки, бьют татуировки, вешают плакаты на стены, клеят постеры на машины»
— Также часто на ваших картинах появляется образ волка. У вас есть полотно «Волки и люди», юмористическая картина «Папины волчки» по мотивам известного сериала и масштабный холст «Комната Волкова», который завершает экспозицию в «БИЗОNe». Для вас это еще один символ нашей страны?
— Думаю, любовь наших мужиков к волкам очень художественна. В ней есть нечто русское, по крайней мере, больше я такого нигде не видел. Волк — это вожак, хищник, одиночка. Забавно, как некоторые люди ассоциируют себя с ним — носят футболки, бьют татуировки, вешают плакаты на стены, клеят постеры на машины. «Квартира Волкова», например, это особый китч, абсолют в увлечении волками.
— На своих картинах вы показываете героев, которые находятся в поисках лучшей жизни.
Наверное, это и есть та самая русская мечта?
— Многие из нас хотят реализоваться в жизни, «выйти в люди», преодолеть страхи, лучше понять себя и окружающих. В своих работах я осмысляю, как эти глобальные идеи преломляются в жизни простого, глубинного народа. Комбинирую их с прямыми, клишированными образами. Эскизами к моим холстам чаще всего служат коллажи, а многоэтапный академический этап подготовки (рукотворный набросок, этюд и прочее) отсутствует. Обычно я набираю на планшете картинки, обрабатываю их, обрезаю, и получается схема, понятная только мне. Потом продумываю целое и переношу его на холст. Я ведь выучился в Строгановке на дизайнера средств транспорта, и в работе мне помогают навыки из бывшей специальности — умение искать референсы, работать с поисковиками, составлять некие мудборды. Я легко нахожу вдохновение в интернете.
— А какова ваша личная русская мечта?
— Не хочется обозначать ее материальными вещами.
У нас и так сейчас почти все в жизни сводится к покупке машины, квартиры, дачи… Я же хочу реализоваться в творчестве, выражать на холсте глубокие идеи и доносить их до зрителя. Именно это мне нравится в деятельности художника. Работать планирую всю жизнь.
«Русское искусство в принципе аккумулировано в самом себе. Это объясняется многообразием языка, нашей любовью копаться в деталях и метафорах»
«Я не вижу себя в рамках западной культуры»
— Как вы переживаете текущую ситуацию в стране и стремитесь ли продвигать свое искусство на Западе?
— Вокруг происходят громкие события, и мне как художнику нужно с ними работать. В прошлом году я начал анализировать новости с точки зрения своего художественного языка и оперативно создавать актуальные образы и сюжеты.
При этом я не вижу себя в рамках западной культуры.
У европейских авторов другая ментальность, идеологическая повестка, мода и, соответственно, тематика работ. У меня был опыт самопродвижения на западном рынке через NFT. В «Твиттере» есть большие открытые группы, где собираются художники и коллекционеры со всего мира. Любой человек может выложить там свои работы и презентовать по видеосвязи. Несколько раз там выступал, меня слушали — преимущественно американцы, и им был непонятен контекст. Они даже мою фамилию не могли выговорить! А русскому человеку все эти образы и идеи греют душу.
У меня есть работы, которые набирали в «Твиттере» большие охваты, но все они идейно прямые — в них нет тонких подтекстов и зашифрованных символов. Русское искусство в принципе аккумулировано в самом себе. Это объясняется многообразием языка, нашей любовью копаться в деталях и метафорах. В Европе люди говорят и мыслят иначе, поэтому и искусство у них другое. Но я продавал коллекционерам из Швеции и Норвегии принты, и в целом, думаю, моя художественная тема имеет потенциал на международном арт-рынке.
Достаточно зайти в «Инстаграм»* на аккаунты типа Look atthe Russia и увидеть, что наша жизнь интересна людям из других стран. Правда, сейчас наладить контакты с западными галереями и клиентами очень сложно.
— До института вы занимались академической живописью, но в МГХПА имени Строганова поступили на факультет дизайна средств транспорта. В тот момент хотели стать дизайнером или понимали, что факультет живописи не даст вам в полной мере овладеть навыками цифрового искусства? Ведь молодые художники часто сетуют, что в наших художественных вузах много времени уделяют рукотворной реалистической живописи и гораздо меньше техникам digital art.
— Тогда я вообще этого не понимал. Мне было 16 лет, и мама сказала: «Чем ты будешь зарабатывать, если станешь художником? А вот дизайнер всегда востребован». Думаю, у многих возникает такая история (улыбается). Так что факультет дизайна стал неким компромиссом между моим желанием и мнением родителей. На подготовительных курсах в Строгановке я сначала готовился пойти учиться на графический дизайн.
Забавно, я видел в нем что-то общее с граффити — буквы и тому подобное. Но через полгода понял, что это не мое, и перешел на дизайн средств транспорта. Там было больше возможностей порисовать.
А говоря о системе обучения, вы правы. Ребята из Суриковского института рассказывали, что до сих собирают композицию картины вручную: на большом ватмане делают маленькие однотипные эскизики, допустим, со смещением одного элемента. А по факту можно написать один такой эскиз, открыть фоторедактор и размножить изображение так, как тебе нужно. То же самое касается подбора цвета, линий и формы. Внедрение дизайнерских приемов работы упрощает и структурирует труд художника.
— Сейчас вы работаете в сфере дизайна?
— Нет, я еще на втором курсе академии понял, что это не мое, и все время уделял рисунку и живописи. У меня даже возникли проблемы с успеваемостью. Была мысль перейти в другой институт и учиться на художника, но потом я решил, что и там могу ходить на факультативы, читать книги, рисовать с натуры, делать наброски на планшете… В итоге доучился, но свой диплом так и не забрал.
Был занят другими делами — оформил самозанятость и арендовал студию в середине четвертого курса.
«У меня остались прекрасные впечатления от открытия выставки. Особенно рад, что в «БИЗОN» пришли люди разных возрастов»
«У Казани большой потенциал в развитии арт-рынка»
— Может, и Казань вас чем-то вдохновит?
— Раньше я не был в Казани и даже не видел фотографий, так что все здесь воспринимаю с чистого листа. В целом меня вдохновляют поездки. В Москве я почти всегда иду из точки А в точку Б и на что-то стороннее не обращаю внимания. А в чужом городе все пристально разглядываешь и находишь то, что цепляет. У меня это происходит как по щелчку пальцев: приходит идея на уровне узора или силуэта, я фиксирую ее в заметки телефона и начинаю работать.
Но мне понравилось в Казани, как здесь сочетаются русский и татарский колорит.
В этом рождается прикольное, самобытное «звучание» города. Чтобы воплотить его в работе, нужно время. Но я хорошо запомнил чак-чак. Это достаточно яркий образ, может быть, что-нибудь с ним придумаю и нарисую. В Казани купил себе упаковку чак-чака и с удовольствием ел с чаем. В Москве тоже пробовал, но ощущения были не те.
— На открытии выставки в «БИЗОNe» был настоящий аншлаг, вы ожидали такого ажиотажа?
— Честно говоря, не думал об этом. В последние дни перед выставкой я много работал над инсталляцией. А на открытии просто общался с публикой и наслаждался моментом. Стараюсь не думать о результатах заранее, потому что часто ждешь одно, а получается совсем другое. Поэтому в Казани я, как обычно, делал свою работу, но было приятно видеть столько гостей.
У меня остались прекрасные впечатления от открытия выставки. Особенно рад, что в «БИЗОN» пришли люди разных возрастов. Я видел несколько бабушек, которые внимательно рассматривали мои картины и улыбались.
Для меня это важно, потому что людям старшего поколения часто сложно взглянуть на такие вещи с иронией. Они все воспринимают буквально и принимают близко к сердцу. А тут народ ходил, смеялся, слушал. Были не только мои давние подписчики в соцсетях, но и новые лица. На экскурсии и public talk я увидел, что Казань открыта современному искусству, здесь много активных, заинтересованных людей, и это здорово.
«На входе висит огромный баннер, и много людей, которые просто идут мимо, могут заинтересоваться и зайти в «БИЗОN». В Москве такое сложно представить»
— Увидели в Казани перспективы для развития арт-рынка?
— Да, в целом Казань произвела на меня благоприятное впечатление с точки зрения развития арт-рынка. Во-первых, круто, что галерея находится в центре города, в людном месте. На входе висит огромный баннер, и много людей, которые просто идут мимо, могут заинтересоваться и зайти в «БИЗОN».
В Москве такое сложно представить: большинство галерей находится там, куда случайно не забредешь. Во-вторых, в соцсетях много информации об актуальных арт-событиях в городе. Гостей приглашают оценить новые идеи, форматы, техники и сюжеты в contemporary art, это всегда интересно. В России до сих пор есть некий стереотип о том, что современное искусство сложно для восприятия и не всем доступно, но, если просто прийти на выставку, не грузиться лишней движухой, а внимательно посмотреть работы, можно сформировать о них свое мнение. Думаю, у Казани большой потенциал в развитии арт-рынка, а «БИЗОN» очень крутая площадка. В рамках столицы РТ локацию лучше не придумаешь.
— Какие еще впечатления от сотрудничества с галереей?
— Самые приятные. Ребята очень активно и оперативно работали. Видно, что у них отлажена система подготовки экспозиции, есть свой подход к организации проектов. Когда я проводил персональную выставку в Supermetall, там многое делалось своими силами и по итогу было много недоработок.
А тут сотрудники продумали все до мельчайших деталей. Я не профессиональный галерист, но результатом доволен и открыт к будущему сотрудничеству с «БИЗОNом». Тем более у галереи удобное, большое выставочное пространство. В целом я всегда стараюсь быть открытым к новым форматам и идеям. Так больше шансов открыть для себя интересные перспективы.
«Тратить гонорары на развлечения не получается, ведь деятельность художника очень дорогая»
— Уже в 23 года вы зарабатываете немалые деньги с продажи картин. Кто их обычно у вас приобретает и на что вы тратите свои гонорары?
— У меня широкий спектр тем, поэтому работы покупают самые разные люди — из сферы бизнеса, креативных индустрий, криптовалюты… Живопись очень понятный формат искусства. Проще всего продать картину, нарисованную красками. Графику реализовать сложнее, а фотографию, инсталляцию и видеоарт вообще может купить только подготовленный зритель, погруженный в современное искусство. У всех клиентов разный бэкграунд и уровень понимания искусства.
Ко мне часто приходят люди, которые раньше не покупали искусство. Их цепляют мои идеи, образы, и это очень приятно. Причем для одних покупателей цена картины вообще не деньги, а другие отдают за нее серьезную часть своей прибыли, что особенно трогает.
Тратить гонорары на развлечения не получается, ведь деятельность художника очень дорогая. Банальная аренда мастерской, холсты, краски забирают бо́льшую часть средств. Примечательно, что платишь за них одномоментно, а зарабатываешь долго. В целом формат работы художника похож на формат работы малого бизнеса. Прибыль сразу идет в оборот. За месяц она может быть большой, а может отсутствовать. Но все равно нужно продолжать трудиться и оплачивать расходы — покупать специальную литературу, билеты на выставки, рассчитываться с дизайнерами, которые снимают видео для моих соцсетей. Порой закроешь творческие потребности, и на жизнь остается совсем немного.
— Занятие искусством для вас больше профессия или способ отвлечься?
— Художник — это моя профессия, а как медитацию я люблю экстрим-катание на роликах.
В скейтпарке я думаю о конкретном трюке и забываю обо всем, что меня окружает. Ролики здорово перезагружают мозг. За это я их и ценю.
минималистичные татуировки, на которые надо обратить внимание любительницам кошек
Минимализм – одно из самых актуальных направлений в тату-искусстве. Прошло время, когда люди старались обильно украшать себя сакральными символами и личными талисманами, наносить рисунки во всю спину или делать «рукава». Современные минималистичные изображения подойдут всем – и молодым девушкам, и взрослым дамам, которые уверены, что делать более броский рисунок им попросту несолидно. Поговорим о том, какой рисунок выбрать в качестве лаконичного тату любительницам кошек, посмотрим подборку интересных работ, которые можете использовать как источник вдохновения.
Общее значение
Кошка – самое изящное, нежное животное, достаточно противоречивое, ведь мягкие подушечки ловко маскируют острые коготки. Имеет магические задатки, часто кошки считались «лучшими друзьями» настоящих ведьм.
Животные пользовались огромным уважением в Древнем Египте и вызывали настоящий ужас в Средние Века.
Сейчас татуировка с кошкой может как иметь определенный смысл, так и просто говорить о том, что женщина или девушка обожает пушистых зверьков.
Размер и место расположения
Чтобы тату с кошкой было выдержано в духе минимализма, очень важно, чтобы рисунок был небольшой – до 7 см. Особенность рисунка – он выполняется тонкими линиями, достаточно прост, незамысловат. Но при этом не утрачивает своей эстетики. Из-за небольших размеров тату не бросается в глаза, поэтому вы можете выбрать в качестве места ее расположения шею, зону за ухом, руки, стопы, ключицы, лопатки.
Могут ли собаки распознавать лица людей: исследование ученых Мясо будет вредным и сухим: на каких дровах нельзя жарить шашлык Риэлторы предупредили россиян о проблемах при покупке дешевых квартир в КрымуВообще, каких-либо ограничений нет. Однако помните, что некоторые солидные организации очень строги к любым боди-модификациям.
Поэтому не поощряют или даже запрещают татуировки на видимых местах.
Варианты дизайна
Самое интересное – варианты дизайна минималистичных татуировок для истинных любительниц кошек.
Воплощение минимализма и изысканности, лаконичности – татуировка с частями мордочки любимого животного. Смотрится интересно, ненавязчиво.
Забавный силуэт кота, словно нарисованный ребенком-дошкольником, – превосходный вариант для девушек с чувством юмора.
Если вы – поклонница восточной романтики, обратите внимание на этот эскиз. По поверьям, такая кошка (называется Манэки-Нэко) способна принести счастье, удачу, материальное благополучие.
Минималистичные тату вовсе необязательно должны быть скучными, однотипными. Смело просите мастера использовать яркие краски, чтобы рисунок получился живым и объемным.
Кабмин поддержит создание популяризирующих русскую историю и культуру видеоигр Жалоба в ФАС поможет избавиться от назойливой рекламы по телефону Все коробочки для украшений можно выбросить: на замену – старая шахматная доскаВоплощение лаконичности – рисунок силуэта, словно выполненный одной линией.
Его могут выбрать те, кто хочет крохотную татуировку, максимально скрытую от чужих взоров.
Хэллоу Китти – одна из самых популярных кошек в мире. Вот вариант тату с ней.
Интересно и необычно выглядит татуировка с кошачьей мордочкой, выполненная в черно-белой гамме по примеру тату прошлых эпох.
На запястье можете сделать очень интересный лаконичный рисунок с кошачьей лапкой в ладони человека. Настоящее безмолвное признание в любви своему питомцу.
Интересная идея, требующая мастерства для реализации, – кошачья мордочка, нарисованная в силуэте изящной хищницы.
Помните, что кожа при минималистичных тату нуждается в уходе, поэтому строго выполняйте рекомендации, данные мастером.
Нашли нарушение? Пожаловаться на содержание
The de Young объявляет о первой музейной ретроспективе известного тату-иконы Эда Харди
Эд Харди: Глубже, чем кожа Новая татуировка
САН-ФРАНЦИСКО — Эд Харди: Глубже, чем кожа — это первая музейная ретроспектива Эда Харди, известного художника-татуировщика, который подпитывал бум татуировок в конце 20-го века.
На выставке представлено более 300 объектов, начиная от картин и набросков (в том числе рисунков, которые Харди создал в 10-летнем возрасте) и заканчивая гравюрами и трехмерными работами. Выставка проследит эволюцию татуировки от статуса «аутсайдера» до работы и влияния Харди. .
Выросший в Южной Калифорнии, Харди был очарован татуировками, которые он наблюдал у отцов своих соседских друзей (в основном военнослужащих, участвовавших во Второй мировой войне). В это время Харди посещал тату-салоны на Лонг-Бич-Пайк, где научился рисовать татуировки для своего «детского тату-салона». В середине 1960-х годов, будучи студентом художественного факультета Художественного института Сан-Франциско, Харди начал изучать тонкости гравюр таких художников, как Дюрер, Рембрандт и Гойя, в Ахенбахском фонде графических искусств Ордена Почетного легиона, отделе, отвечающем за коллекция Музея изящных искусств, насчитывающая более 115 000 работ на бумаге. В Ахенбахе он черпал вдохновение для своей работы.
В 1966 году, делая одну из своих первых татуировок у легендарного Фила Воробья в Окленде, Харди познакомился с книгой о японских татуировках, которая возродила его любовь к технике и вдохновила на дальнейшую карьеру. Отказавшись от аспирантуры Йельского университета по изобразительному искусству, Харди вместо этого решил заняться татуировкой профессионально. В то время, когда к тем, у кого были татуировки, относились с пренебрежением, цель Харди состояла в том, чтобы революционизировать практику как важное художественное средство. С тех пор Харди стал одним из самых важных татуировщиков 20-го века, популяризируя маргинальную среду, объединяя исторические стили искусства и татуировки со всего мира и расширяя границы того, чем может быть искусство во всех его формах. .
«Эд Харди заново изобрел саму природу татуировки, во многом вдохновленный его ранним знакомством с шедеврами из нашей коллекции», — говорит Томас П. Кэмпбелл, директор и главный исполнительный директор Музеев изящных искусств Сан-Франциско.
«Его влияние изменило тату-индустрию, и мы рады предоставить возможность более широкой аудитории изучить его огромные достижения как на теле, так и вне его».
В 2017 году в знак уважения к фондам Ахенбаха и тому влиянию, которое они оказали на его творчество, Эд Харди пожертвовал Музею изящных искусств по одному слепку почти каждой когда-либо созданной им гравюры, всего 152 экземпляра. Ed Hardy: Deeper than Skin будет включать около 40 таких гравюр, а также картины, рисунки и трехмерные работы из личной коллекции художника.
Ключевыми объектами для просмотра будут монументальные 2000 драконов Харди, свиток длиной 500 футов, на котором он нарисовал 2000 драконов. Харди задумал эту идею в 1976 году, ожидая 24 года, чтобы воплотить ее в жизнь в честь 2000-го тысячелетия, а также года Дракона по китайскому зодиаку. Другие ключевые объекты будут включать в себя серию масштабных работ под названием Eyecons , созданный в сотрудничестве с Trillium Graphics в Брисбене, Калифорния.
Eyecons содержат культовые изображения Харди на трехмерных объектах, включая диски, панели и даже доски для буги-вуги — дань уважения детству Харди, выросшему в Южной Калифорнии. Зрители также могут увидеть гравюры, созданные Харди во время учебы в SFAI, в сочетании с мастер-гравюрами из Ахенбаха, которые их вдохновили, а также флэш-тату (образцы татуировок), подготовительные рисунки и картины, демонстрирующие темы Харди. образы татуировки интегрируются с его практикой изобразительного искусства.
«Хотя Эд широко известен как культовый художник-татуировщик, мы рады, что посетители увидят его другую сторону и поближе познакомятся с работами из его собственной художественной практики», — говорит Карин Брейер, куратор Ахенбаха. «С тех пор, как он ушел из активной татуировки в 2008 году, он создал значительное количество произведений искусства в различных стилях и образах, каждое из которых включает элементы традиционной татуировки с традиционным изобразительным искусством».
Эд Харди: Глубже кожи организована Карин Брейер, куратором Фонда графических искусств Ахенбаха в Музеях изящных искусств Сан-Франциско. Выставка откроется в музее де Янга с 13 июля 2019 года. татуировки. Выставку открывают фотографии и эскизы татуировок десятилетнего Харди, сопровождаемые хронологией, описывающей историю татуировок в США в девятнадцатом и двадцатом веках.
Когда Харди стал старше, он оставил свой интерес к татуировкам, чтобы заняться изобразительным искусством, позже окончив Художественный институт Сан-Франциско (SFAI) со степенью в области гравюры. Когда Харди был студентом SFAI, один профессор посоветовал ему посетить Ахенбахский фонд графических искусств Почетного легиона, где бывший куратор Гюнтер Троше познакомил Харди с гравюрами Альбрехта Дюрера, Рембрандта ван Рейна и Франсиско Гойи. Повторяющиеся встречи Харди с гравюрами старых мастеров оказали глубокое влияние на его работу и позже вдохновили его на щедрый дар 152 работ Фонду Ахенбаха в 2017 году.
Несколько гравюр, которые Харди создал, будучи студентом SFAI, представлены рядом с некоторыми из самых принты, которые их вдохновили.
После выпуска в 1967 году татуировщик Фил Спарроу познакомил Харди с книгой о японской татуировке, которая возродила его любовь к технике, и он отказался от стипендии Йельского университета, чтобы начать заниматься татуировкой профессионально. Ценный опыт Харди получил в ходе работы в тату-студиях Ванкувера (Британская Колумбия), Сиэтла и Сан-Диего. Впечатляющая подборка его татуировок «вспышка» (образцы татуировок) тех лет (1967–1971) занимает всю стену галереи и сопровождается интерактивным сенсорным экраном, позволяющим посетителям увеличивать работы, чтобы увидеть детали. В этом разделе также есть короткий отрывок из фильма Эд Харди: Мир татуировок Эмико Омори.
В конце 1973 года Харди уехал в Гифу, небольшой город в центральной Японии, чтобы учиться у мастера-татуировщика Хорихидэ в качестве своего первого американского ученика.
Через пять месяцев Харди вернулся в США, вдохновленный продолжением создания версий японского репертуара в своем фирменном стиле.
В 1974 году Харди открыл Realistic Tattoo в Сан-Франциско, которая стала первой тату-студией в Соединенных Штатах, предлагающей индивидуальные татуировки на основе пожеланий и потребностей клиентов. В четвертой галерее выставки под названием «Wear Your Dreams» представлены предварительные эскизы татуировок, созданные Харди в Realistic Tattoo, некоторые из которых представляют собой анимацию, спроецированную на контурную форму тела на соответствующих частях тела, где татуировки были физически нанесены. Фотографии тел, татуированных Харди, демонстрируются вместе с замечательными рисунками, которые были использованы для их создания.
В соседней галерее представлены гравюры, рисунки и картины с темами, основанными на татуировках, которые появляются в работах Харди, начиная с конца 1980-х годов, включая тигров, пантер, мультфильм Hot Stuff (маленький красный дьявол), розу ничейной земли ( дань уважения медсестрам Красного Креста во время Первой мировой войны), скелеты, черепа и традиционное американское изображение татуировки женщины-бабочки.
Далее следует небольшая галерея шкатулок с раскрашенными вручную фарфоровыми вазами Харди, а также набором «Призраки 9».0005 , серия уникальных настенных фарфоровых изделий, изготовленных в печи Рисогама в Арите, Япония. Эти работы делят галерею с Eyecons , покрытыми смолой картинами на панелях и дисках, которые были созданы в Trillium Graphics (Брисбен, Калифорния) в 2008 году. Свиток длиной 500 футов задуман художником, чтобы отпраздновать тысячелетие, которое также было годом Дракона по китайскому зодиаку. Свиток, созданный в течение 52 дней с перерывами в 2000 году, недавно был подарен Харди Музею изящных искусств. Правильное название 2000 Dragons сопровождается избранными записями музыки, которую Харди слушал во время рисования свитка, включая треки Beatles, Pink Floyd и Clash.
В соседней галерее представлена подборка из восьми больших картин из серии «Бессмертные» Харди, которые, как и «2000 драконов», нарисованы на тайвеке свободной каллиграфической кистью.
Последняя галерея «Жизнь татуировщика» включает Розу , жаккардовый гобелен (Magnolia Editions) 2015 года, а также недавние картины и рисунки, которые доводят выставку до наших дней. Также представлены переработанные Харди его знаменитые 1967 офортов автопортретов, планов на будущее. В 2009 году художник много раз переосмысливал это произведение, каждый из которых принимал разные формы, связанные с татуировкой: рычащая голова тигра ( El Tigre ), горилла ( Monkey Man II ), мачтовый парусник с якорями ( Голова корабля ) и некоторые другие. Серия портретов, построенная вокруг фотографии Харди с обнаженной грудью, сделанной в 2009 году (используемой в качестве интерактивной функции для изучения собственных татуировок Харди), завершает выставку.
deyoungmuseum.org \ @deyoung \ #EdHardy
Посещение \ de Young 9 0006 Парк «Золотые ворота», 50 Hagiwara Tea Garden Drive, Сан-Франциско.
Открыто с 9:30 до 17:15. вторник-воскресенье. Открытые выбранные праздники; закрыты большинство понедельников.
Продажа билетов
Стоимость билетов для взрослых составляет 28 долларов США. Предусмотрены скидки для студентов, молодежи и пенсионеров. Участники и дети до пяти лет получают бесплатный вход. Более подробную информацию о билетах можно найти на сайте deyoungmuseum.org.
Аудиоэкскурсия
Посетители могут приобрести аудиоэкскурсию.
Каталог выставки
Музеи опубликовали научный каталог Эд Харди Глубже кожи , который можно будет приобрести. Об авторах: Карин Брейер — куратор Фонда графических искусств Ахенбаха в Музеях изящных искусств Сан-Франциско. Шерри Фаулер — искусствовед, специализирующийся на японском буддийском искусстве в Канзасском университете. Джефф Гандерсон — библиотекарь и архивариус Художественного института Сан-Франциско. Дон Эд Харди — легенда в мире татуировки.
Джоэл Селвин — музыкальный критик и писатель из Сан-Франциско.
Организация выставки
Эта выставка организована Музеем изящных искусств Сан-Франциско. Основная поддержка предоставляется The Herbst Foundation, Inc. Поддержка в натуральной форме предоставляется Moddler.
О Музеях изящных искусств Сан-Франциско
Музеи изящных искусств Сан-Франциско, включающие Музей де Янга в парке Золотые ворота и Орден Почетного легиона в Линкольн-парке, являются крупнейшим общественным художественным учреждением в Сан-Франциско.
Де Янг произошел от 1894 Калифорнийская международная выставка «Середина зимы» в парке «Золотые ворота» и был основан как Мемориальный музей в 1895 году. Позже он был переименован в честь Майкла Х. де Янга, который возглавил его создание. Нынешнее обшитое медью знаковое здание, спроектированное Herzog & de Meuron, открылось в 2005 году. Отражая активный диалог между культурами, перспективами и временными периодами, представленные коллекции включают американскую живопись, скульптуру и декоративно-прикладное искусство с 17 по 19 век.
21 век; искусства Африки, Океании и Америки; костюм и текстильное искусство; и международное современное искусство.
Контакты для СМИ:
Шакил Хит, специалист по связям с общественностью \ [email protected] \ 415.750.3603
Мириам Ньюкомер, директор по связям с общественностью \ [email protected] \ 415.750.3554
90 Искусство татуировки 000 теперь горячее, чем когда-либо До11 октября 2019 г.
Тату-мастер VAWAA, Тайом.Татуирование практикуется уже тысячи лет, а находки татуированной кожи относятся к 3370 г. до н.э.
Кажется почти невероятным, что эта форма искусства существовала более 5000 лет; сегодня тату-салоны есть практически везде (слово «тату» происходит из Самоа и полинезийских островов). Почти 46% американцев имеют татуировки.
Этот процесс, иногда почти ритуальный, нанесения чернил на наши тела привел к появлению множества мотивов из тонких стрел, фаз луны, глаз, фольклора и надписей.
Сегодня тату-фестивали и съезды проходят по всей карте, от Алабамы до Вайоминга. В Аргентине даже есть патагонская тату-конвенция; Варшавская конвенция в Польше; и один в Нанкине в Китае.
Только в Соединенных Штатах насчитывается более 21 000 тату-салонов, и ясно, что бизнес процветает. Эта индустрия стоимостью 1,5 миллиарда долларов означает, что многие места чрезвычайно заняты, а списки ожидания с известными тату-мастерами могут длиться до шести месяцев! По мере того, как татуировка становится все более популярной в мире (сегодня это скорее норма, чем исключение), все больше качественных художников делают татуировки.
Совладелица Black Fish Tattoo в Нью-Йорке Карла Джанг, которая основала компанию 20 лет назад, говорит, что спрос зашкаливает. «Многие молодые люди делают татуировки, — говорит она. «Татуировки с тонкими линиями уже давно в тренде, и они более тонкие».
Тонкая татуировка в Blackfish Tattoos.
Предоставлено Blackfish Tattoos.
Техника выполнения татуировки с тонкими линиями заключается в использовании прямых или изогнутых тонких линий без явно кричащих градаций оттенка. Акцент делается на очертания и форму, а не столько на цвет и штриховку.
«Тату-искусство становится все более популярным по мере того, как оно становится мейнстримом», — говорит партнер Карлы, Кевин Джанг. Все больше и больше художников разного профиля (живопись, графический дизайн, анимация и т. д.) рассматривают кожу человека как ходячее полотно. Существует множество стилей, начиная от акварели, геометрических рисунков, анимации, абстракции, пуантилизма, гиперреализма и всего, что вы можете себе представить, включенным в татуировку.
И, как и в любой другой артистической профессии, у каждого артиста есть уникальный голос, независимо от того, имеет он или она классическое образование или нет. «Что делает кожу сложным холстом, так это то, что ни у одного человека нет кожи одинакового качества, текстуры, цвета и т.
д.» добавляет Чан, поэтому художник постоянно подстраивается под татуировку человека.
Татуировка с тонкими линиями требует практики и точности, потому что права на ошибку практически нет, а использование правильных чернил важно, чтобы татуировка не потускнела и не зажила. В зависимости от дизайна художник может использовать одну иглу. «Для нас это было открытие методом проб и ошибок, — говорит Джанг.
Владелец At Studio 28 Tattoos Т. Дж. Кэнтуэлл говорит, что «боди-арт перешел в массовую культуру, и теперь у вас есть люди во всех сферах жизни, выполняющие свою работу. Сейчас очень мало ограничений для татуировок. «Методов так же много, как и мастеров, нет единственного способа сделать татуировку успешной», — добавляет он. «В значительной степени рост нашей отрасли связан с тем, что люди раздвигают границы и пробуют новые вещи».
Некоторые произведения искусства в портфолио салона представляют собой изображения животных в полный рост, таких как разноцветные тигры, рептилии или ожерелья.
«Дизайн будет отличаться у каждого человека, поскольку татуировка должна быть чем-то личным для вас», — говорит Кантуэлл.
Horizontede Expectativa by Татуировщик VAWAA, Taiom .
Соревнования по татуировкам могут раздвинуть границы искусства своими изысканными рисунками и замысловатыми узорами. Но татуировка не только для профессионалов! В Бразилиа, Бразилия, художник VAWAA Тайом обучает гостей основным техникам татуировки, включая символику. И это может быть весьма прибыльным как карьера.
«Многие люди очень придирчивы к произведениям искусства, — говорит Джанг.
Чтобы заказать мини-обучение у Тайома, посетите его страницу исполнителя.
Подпишитесь здесь, чтобы получать больше историй, советов и новостей о новых исполнителях.
Share PostЯ много езжу в Индию, по крайней мере два раза в год, и всегда стараюсь включать в себя как можно больше местного искусства.
